Episodio 4: El viejo y querido Blues



Este cuarto episodio lo vamos a dedicar a un género tan rico musicalmente como lo es el Blues.

Comenzaremos con Billy Watson y la International Silver String Submarine Band que es un elenco de músicos improvisados, todos estrellas, seleccionados a mano de la escena musical de California. Dado que cada miembro también trabaja con sus propias bandas, se sabe que la formación cambia con frecuencia, agregando excitación, misterio y espontaneidad a cada actuación, mientras que nunca pierde el más alto nivel de profesionalidad y estándares musicales. La música blues fue creada por personas que buscaban una manera de olvidar su “tristeza” al contar sus historias a través de la canción. El repertorio de Billy recuerda al público moderno que la música blues puede ser discreta, pero que al final se trata de divertirse, bailar y olvidarse de sus preocupaciones. En esta ocasión oiremos “Oh mi querida”.

Nora Jean Bruso es una cantante de blues de Chicago con profundas raíces en el Delta. Fue reconocida como una de las diez grandes mujeres en Chicago Blues por el Museo de Ciencia e Industria de Chicago, posee una voz que se ha comparado con la de KoKo Taylor. Del disco “Volviendo a Mississippi”, un homenaje a la herencia musical de Nora, y a su propio estilo de blues de Mississippi de alto octanaje, ya está sonando “Diciéndome que hacer”.




Una banda de músicos veteranos están haciendo su parte para proporcionar buena música con la calidad de antaño. Esa banda se llama The Mystix y por ellos ya suena “El Blues de Jimmie”.

Ya llega la Mississippi Delta Blues Band interpretando “Hell of a mistake” y suena así.

Doug MacLeod es un músico estadounidense de blues. Aunque ahora vive en Memphis, ha vivido y trabajado en Carolina del Norte, St. Louis, Nueva York, Los Ángeles, Norfolk y Virginia. Conoció el blues en St Louis en su adolescencia y comenzó su carrera tocando el country blues en la guitarra acústica, descubriendo que el canto alivió un tartamudeo crónico y lo ayudó a superarlo. Aunque predominantemente asociado con la guitarra acústica, sus habilidades se desarrollaron como bajista de blues y se perfeccionaron en sus viajes posteriores al jazz y al blues eléctrico. Oiremos su interpretación de “El invierno debe estar cayendo”.

Memphis Slim nació el 3 de septiembre de 1915 en Memphis, Tennessee. Fue un pianista y cantante de blues. Su nombre de nacimiento era John Len Chatman, aunque él mismo afirmó haber nacido Peter Chatman (el nombre que se dio en honor a su padre Peter Chatman Sr. cuando grabó para Okeh en 1940). Compuso los estándares de blues “Every Day I Have the Blues” y “Mother Earth”. Memphis Slim comenzó a tocar el blues en el Midway Café en Memphis en 1931. Dos años antes de su muerte, Memphis Slim fue nombrado Comandante en la Orden de las Artes y las Letras del Ministerio de Cultura de la República de Francia. Memphis Slim murió el 24 de febrero de 1988 en París, Francia, a la edad de 72 años. Durante su vida, realizó más de 500 grabaciones con un total de 2345 canciones e influyó en los pianistas de blues que lo siguieron durante décadas… Ya suena “Sittin’ And Cryin’ The Blues”.

Llega John Dawson Winter III, más conocido como Johnny Winter. Su carrera discográfica comenzó a la edad de quince años, cuando su banda Johnny y los Jammers lanzaron “School Day Blues” en un sello discográfico de Houston. Winter estuvo profesionalmente activo hasta el momento de su muerte cerca de Zurich, Suiza, el 16 de julio de 2014. Fue encontrado muerto en su habitación de hotel dos días después de su última actuación, en el Cahors Blues Festival en Francia. La causa de la muerte de Winter no se dio a conocer oficialmente. Según su amigo guitarrista y productor discográfico Paul Nelson, Winter murió de enfisema combinado con neumonía.

“Regreso a Dallas, llevo mi navaja y mi arma. Regreso a Dallas, hombre, llevo mi navaja y mi arma, oh sí, mucha gente busca problemas, hombre, seguro que les daré algo. Creo que el viejo Dallas, hombre, es el pueblo más malo que conozco. Porque no estás seguro en Dallas, no importa dónde vayas. Sabes que soy malvado, solo quiero divertirme un poco. Hay tanta mierda en Texas, estoy obligado a volver a Dallas, y llevar mi navaja y mi arma. Si hay gente buscando problemas, seguro que les daré algo. Cargué mi revólver, afilé mi cuchillo. Algunos sureños se están metiendo conmigo, estoy obligado a llevar mi vida a Dallas, llevar mi navaja de afeitar y mi arma. Hombre, la gente busca problemas, seguro que les daré algunos”… nos dice en su tema Dallas, que suena así.

Si Stevie Ray Vaughn no hubiera aparecido repentinamente a principios de la década de 1980, con la guitarra en la mano y un impulso casi incontrolable de tocarlo, entonces el blues podría haberlo hecho existir. Estos, después de todo, no fueron los mejores momentos para el blues, que había sido la base de toda la música estadounidense durante casi un siglo. MTV estaba haciendo que la música pop fuera más física y visual: piense en Michael Jackson y Madonna. La mayor parte del rock principal tenía que ver con un gran sonido, espectáculos de arena y escenarios elaborados. Y la nueva ola, aunque se rebeló contra los sonidos más ornamentados del rock y la mentalidad de superestrella, era tan consciente del estilo como estaba interesada en un enfoque más simple para hacer discos. Stevie Ray Vaughan y su banda Double Trouble formaron el acto de blues más impresionante de la década de 1980, que hizo que la muerte de Vaughan en un accidente de helicóptero a principios de los 90 fuera aún más trágica. Creció en Dallas. Stevie comenzó a tocar en clubes a los 12, y a los 17 abandonó la escuela secundaria y se mudó a Austin. Siguieron años de lucha hasta el 23 de abril de 1982, cuando Vaughan y su grupo, Double Trouble, tocaron en una audición privada para los Rolling Stones en Nueva York. El concierto llevó a una invitación para aparecer en el Festival de Jazz de Montreux, en el que Vaughan fue visto por David Bowie, quien lo contrató para tocar la guitarra en su álbum Let’s Dance, y Jackson Browne, quien ofreció el uso gratuito de su estudio de grabación. Vaughan aceptó esa oferta después de ser contratado por el legendario cazatalentos John Hammond para Epic, grabando su álbum debut, Texas Flood, en el otoño de 1982. El lanzamiento del álbum llevó a una ola de reconocimiento que incluyó álbumes de oro, premios Grammy y otros elogios en los próximos siete años. En 1987, Vaughan se tomó un tiempo para realizar un programa de rehabilitación para superar la adicción al alcohol y las drogas, y escribió sobre la experiencia en su último álbum de estudio, In Step (1989). En el último año de su vida, se embarcó en una gira conjunta con Jeff Beck y grabó un álbum en dúo con su hermano Jimmie Vaughan. En 1991, Epic lanzó el póstumo The Sky Is Crying, ensamblado por su hermano. “The Sky Is Crying” es un estándar de blues escrito e inicialmente grabado por Elmore James. En 1991, “El cielo está llorando” de Elmore James fue incluido en la Fundación Blues Salón de la Fama de la en la categoría “Grabaciones de clásicos del blues”. Oiremos a continuación la versión de Stevie Ray Vaughan y su banda Double Trouble.




“Soy un rey abeja” es una canción de blues de pantano escrita y grabada por primera vez por Slim Harpo en 1957. Ha sido interpretada y grabada por numerosos artistas de blues y en 2008, el original de Slim Harpo recibió un premio Grammy Salón de la Fama. James Isaac Moore nació el 11 de enero de 1924 y murió un 31 de enero de 1970, mejor conocido por su nombre artístico Slim Harpo, fue un músico de blues estadounidense, uno de los principales exponentes del estilo blues de pantano, y “uno de los artistas de blues más exitosos comercialmente de su época”. Sus grabaciones más exitosas e influyentes incluyeron “I’m a King Bee” (1957), “Rainin ‘in My Heart” (1961) y “Baby Scratch My Back” (1966) que alcanzó el Nº 1 en la lista de R&B y Nº 16 en la lista pop de EEUU . Un maestro de la armónica de blues, su nombre artístico se deriva del apodo popular de ese instrumento, el “arpa”. Los Slim Harpo Music Awards, otorgados anualmente en Baton Rouge, se nombran en su honor. Los ingresos de los premios benefician el programa de divulgación “Música en las escuelas”. Por Slim Harpo suena ya I’m A King Bee.

William Thomas Dupree mejor conocido como el Campeón Jack Dupree, fue un pianista de blues estadounidense. Fue la encarnación del pianista de blues y boogie woogie de Nueva Orleans. En su álbum más conocido, Blues from the Gutter, para Atlantic en 1959, fue acompañado en la guitarra por Larry Dale, cuya interpretación en ese disco inspiró a Brian Jones de The Rolling Stones. La producción de Dupree es casi todo blues y boogie woogie, sin baladas ni canciones pop, ni siquiera baladas de blues. No era un músico o cantante sofisticado, pero tenía una manera irónica e inteligente con las palabras: “Mamá, mueve tus dientes postizos, papá quiere rascarte las encías”. A veces cantaba como si tuviera un paladar hendido e incluso grababa con el nombre de Harelip Jack Dupree. Esta fue una presunción artística, ya que Dupree tenía una excelente articulación clara, particularmente para un cantante de blues. Cantaba sobre la vida tal como la encontró, cantaba sobre la cárcel, la bebida, la adicción a las drogas, aunque él mismo era un bebedor ligero y no usaba otras drogas. Su “Blues de Junker” todavía se canta en Nueva Orleans, y también fue transformado por Fats Domino en su primer éxito “The Fat Man”. Las canciones de Dupree incluyeron no solo temas sombríos, como “TB Blues” y “Angola Blues” (sobre la infame granja carcelaria de Louisiana), sino también temas alegres como “Dupree Shake Dance”: “Vamos, mamá, en tus manos y rodillas, haz ese batido de baile como quieras”. Quedó huérfano a la edad de ocho años y fue enviado a Coloured Waifs Home en Nueva Orleans, una institución para niños huérfanos o delincuentes (casi al mismo tiempo, Louis Armstrong también fue enviado allí cuando era niño, después de ser arrestado como un “peligroso y de carácter sospechoso”. Dupree aprendió a tocar el piano allí y luego fue aprendiz con Tuts Washington y Willie Hall, a quien llamó su padre y de quien aprendió “Blues de Junker”. En Detroit, después de que Joe Louis lo alentara a convertirse en boxeador, peleó 107 combates, ganó Guantes de Oro y otros campeonatos y recogió el apodo de Campeón Jack, que usó el resto de su vida. Por él llega “Caldonia”, una canción de jump blues, grabada por primera vez en 1945 por Louis Jordan y su Tympany Five. Una versión de Erskine Hawkins, también en 1945, fue descrita por la revista Billboard como “rock and roll”, la primera vez que esa frase se utilizó en forma impresa para describir cualquier estilo de música.

Albert “Sunnyland Slim” Luandrew nació el 5 de septiembre de 1906 y murió un 17 de marzo de 1995. Fue un pianista, cantante y compositor de blues estadounidense, que nació en el Delta del Mississippi y luego se mudó a Chicago, Illinois, centro importante de la música blues. Sunnyland Slim nació en una granja en el condado de Quitman, cerca de Vance, Mississippi. Se mudó a Memphis, Tennessee en 1925, donde actuó con muchos de los músicos de blues más populares de la época. Su nombre artístico proviene de una canción que compuso sobre el tren Sunnyland que corría entre Memphis y St. Louis, Missouri. A través de los años Sunnyland Slim tocó con músicos como Muddy Waters, Howlin ‘Wolf, Robert Lockwood Jr. y Little Walter. Su estilo de piano se caracteriza por bajos pesados ​​o acordes de vamping en la mano izquierda y tremolos con la derecha. Su voz era alta y cantaba en un estilo declamatorio. El locutor y escritor de Chicago, Studs Terkel, dijo que Sunnyland Slim era “una pieza viva de nuestra historia popular, que continuaba galante y elocuentemente en la vieja tradición”. De esta leyenda del blues, ya está sonando “Bessie Mae”.

“Una vez, en la calle 47 en Chicago, conocí a una chica muy buena” dice este tema. Esto es el blues de Chicago en su mejor momento. Billy Boy aprendió armónica de John Lee ‘Sonny Boy’ Williamson y tocó en la calle Maxwell con Bo Diddley, en formato rockero. Esta canción de los años 50 es una gran historia sobre ser superado por una mujer inteligente. “Pensé que era una niña tonta y que podía darle casi cualquier línea vieja” reza otro párrafo. Billy Boy Arnold (nacido William Arnold el 16 de septiembre de 1935 en Chicago, Illinois) es un destacado músico, cantante y compositor estadounidense de armónica de blues. Arnold se restableció firmemente como uno de los principales practicantes del clásico blues de Chicago. Su sonido de armónica y sus voces conmovedoras son una combinación perfecta para su composición de calle. La combinación de blues influenciado por Delta con una sofisticación más urbana no solo define el sonido de Arnold, sino que también fue una contribución significativa en los primeros días formativos del rock and roll. Sus primeros trabajos con Bo Diddley y sus singulares y altamente influyentes temas de fines de la década de 1950 (incluidos I Wish You Would y I Ain’t Got You), le brindaron atención local, pero nunca recibió el reconocimiento que merecía. A diferencia de los muchos artistas de blues que emigraron a Chicago desde el sur, Arnold se encuentra entre la primera generación de músicos de blues nacidos y criados en la ciudad. Se enamoró del blues a una edad temprana y se sintió especialmente conmovido por los registros del primer Sonny Boy Williamson. En 1948, el joven Billy descubrió que Williamson vivía cerca y se dispuso a buscarlo. “Para mí, este era un deseo ardiente: quería ser como Sonny Boy”, recuerda Billy. A Williamson le gustó al joven admirador y reveló su estilo característico de “ahogar” la armónica a Billy. Poco después de su tercera visita juntos, Williamson se encontró con su prematura muerte. Pero las pocas visitas fueron suficientes para que Billy decidiera convertirse en bluesman. En los años siguientes, Arnold se hizo amigo de muchas de las leyendas del blues local, y comenzó a aprender todo lo que pudo sobre el blues. El ciego John Davis, Big Bill Broonzy, Memphis Minnie, Muddy Waters,Johnny Jones, Johnny Shines, Otis Rush, Little Walter y Earl Hooker jugaron un papel en la educación musical de Arnold. Ya suena “Ella me engaño”.




Y vamos cerrando esta cuarta entrega con los Mississippi Fever. La experiencia de ver música blues en vivo, preferiblemente a altas horas de la noche en un club sudoroso después de una noche de borracheras y excitaciones, es una experiencia de cinco sentidos que no se puede recrear en el disco. Y, por lo general, es una lucha para casi todas las bandas de blues prender el fuego de un show en vivo en la esterilidad de un estudio de grabación. En éste, su álbum debut, el trío de blues Mississippi Fever suena un poco seco en algunos lugares, pero logra lanzar algunas sorpresas. Con “Nada más que el blues” nos despedimos hasta el próximo podcast.

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Episodio 3 – Country Music

The Hillbilly Gypsies

Episodio 3 – Country Music



Comenzamos este tercer episodio dedicado a la música country con  los Hot Buttered Rum, una banda de cuerdas afiladas de la costa oeste de los EEUU, es la creación de cinco músicos excepcionalmente dotados que tejen su amor por el bluegrass, el folk, el jazz y el soul en una fascinante variedad de música americana. El bajo de cuerda y el violín de cinco alarmas se fusionan con la guitarra, el banjo, la mandolina y la batería para enmarcar las voces de sus dos escritores contrastantes, alimentando una fiesta de baile con raíces en Appalachia, en el estado de Virginia, y sus sucursales en California. Es un sonido que es tan difícil de describir como fácil de amar. Casi veinte años después de su viaje, la música de Hot Buttered Rum, soñada en el campo de la Sierra Grande en Sierra Nevada y los sótanos de San Francisco, ha llegado a los corazones, mentes y cuerpos de los fanáticos en todo el país. La banda continúa de gira durante todo el año en apoyo de sus muchos álbumes y causas sociales. Oiremos “Tal vez solo me siento así”.




Seguimos con The Lost Trailers, (Los remolques perdidos), una banda de música country estadounidense formada originalmente en Albany, Georgia. La primera formación recibió el nombre de “Stokes Nielson and The Lost Trailers”, inspirada en 3 incidentes separados en los que se robaron los trailers de equipos de la banda. Hicieron su debut en un picnic del 4 de julio, organizado por el cantante de country Willie Nelson. El mismo año, el grupo lanzó su álbum debut, seguido de otros 2 álbumes completos antes de cambiar a BNA Records en 2006. Fue entonces cuando la banda emitió un éxito homónimo; produciendo los singles “Call Me Crazy” y “Why Me”. Ambas composiciones entraron en las listas de Billboard Hot Country Songs. Justamente “Llámame loco” es el tema que sonará a continuación y que comienza diciendo: “Todas las luces se están apagando en la calle principal. Los lotes de estacionamiento se están llenando, con sueños adolescentes y camionetas. Habrá una carrera esta noche: Ahí es donde llamaré tu atención. Justo al otro lado de esa línea de meta es donde te haré mía.”

Charlie E. Daniels nació en Wilmington, Carolina del Norte, el 28 de Octubre de 1937, es hijo de un leñador. Guitarrista y violinista, Charlie dirigió desde 1958 a 1967, The Jaguars. Con ellos tocó, durante años, en todas las cafeterías y bares de alterne de Raleigh, capital de Carolina del Norte, e incluso en algunos pueblos perdidos en la profunda Texas. En 1963 aparece como coautor de ‘It hurts me’, un tema elegido por Elvis Presley como cara B de uno de sus singles. Disolvió a The Jaguars y en 1967 se estableció en Nashville, donde logró abrirse paso como músico de estudio tocando la guitarra, el violín, el bajo y el banjo. Participó en los discos de varios artistas rock y country, entre ellos Peter Seeger, Leonard Cohen y Ringo Starr. Conocedor de la vida rural, nos relata en su tema granjero americano: “El es el granjero americano y es muy difícil de vencer. Mejor despierta América, despierta América, porque si el hombre no trabaja, entonces la gente no come”.

“Es un día triste en el condado de Floyd, Sr. Jones. Sí, el dolor es fuerte por el hombre que se fue y en la tumba su mujer llora y gime porque es un día triste en el condado de Floyd, Sr. Jones. Los seis hijos que crió lloran todos por este hombre de montaña de voz suave”. Así comienza “Condado de Floyd”, este tema de Dwight Yoakam, uno de los pioneros en la recuperación del country desde una perspectiva rock. Originario de la zona rural de Kentucky, hace “el tipo de música country que podría haber pensado que ya no se hacía : la Cosa Real, completa, con violines dulcemente taciturnos, voces aullidas y canciones sobre ahogar penas románticas en el líquido destilado más cercano”.

Del mítico disco en directo de Emmylou Harris And The Nash Rambler grabado en el legendario auditorio Ryman de Nashville, (álbum que recibió un premio Grammy en 1992 y recoge canciones interpretadas durante tres noches en este auditorio, considerado como un templo de la música “country”, repertorio que incluía  canciones de artistas como Bill Monroe, Bruce Springsteen, Steve Earle, Stephen Foster, John Fogerty o Nanci Griffith), oiremos “Guitar Town”, en la que Emmylou nos dice: “Nada ha pasado en mi ciudad natal y no soy del tipo que simplemente se queda. Pero escuché a alguien llamar mi nombre un día y seguí esa voz por la carretera perdida. Todos me dijeron no puedes llegar lejos”.

No importa su larga permanencia al borde de Music Row, Guy Clark es inevitablemente de Texas. Un hombre resuelto y elegante, sin importar la simplicidad de su ropa, ni el desgaste de sus 71 años. El estadista mayor de un grupo de compositores valientes que incluye a los difuntos Townes Van Zandt, Rodney Crowell, Steve Earle, Lyle Lovett y Nanci Griffith. No hemos dejado mucho espacio para hacer cosas que importan en este mundo moderno. Y sin embargo, la tradición perdura de alguna manera: tomates de cosecha propia, cerveza elaborada localmente, suéteres tejidos a mano. Trozos de joyas. Y algunas canciones cuidadosas que aún buscan contar verdades privadas y públicas. Al menos mientras Guy Clark y su confederación de músicos irritables sigan escribiendo y grabándolos. De esta leyenda del country sonará Rita Ballou.

Molly Tuttle es vocalista, compositora, banjista y guitarrista, artista de grabación y maestra en la tradición de bluegrass, conocida por su destreza de guitarra plana, clawhammer y crosspicking. Desde los ocho añitos tocando la guitarra y debutando a los once con su padre, Jack Tuttle, multi-instrumentista bluegrass y profesor de música. A los quince entra en la banda familiar, The Tuttles. Junto a Alison Brown, Missy Raines, Sierra Hull y Becky Buller forma parte del súper-grupo The First Ladies of Bluegrass. Suena ya, “Ojalá supieras”.

“¿Cuántas veces hemos deseado en una estrella, envuelto en una colcha en el capó de mi auto vimos el cometa Halley en eclipse lunar y seguro que vi el cielo cuando probé tus labios. Así que apaga las estrellas, apaga la luna, desvanece los grillos y la melodía del ruiseñor, derriba las magnolias que montan el viento suave. Otra historia de amor ha llegado a su fin”, dice la letra de “Sopla las estrellas, apaga la luna” de la Nitty Gritty Dirt Band, banda que nació en Long Beach allá por 1945 y cuyo miembro permanente siempre ha sido el guitarrista Jeff Hanna (curiosamente, Jackson Browne fue uno de sus primeros componentes), comenzó su andadura en formato acústico, con más éxito de crítica que de público, pero eran gente tranquila que sabían que tarde o temprano su trabajo sería apreciado. Desde entonces, el grupo californiano no ha dejado de componer, grabar y actuar, y no han sido extraños en su carrera los conciertos multitudinarios rodeados de buenos amigos como Johnny y June Cash.




Poco se forma después de la desaparición de Buffalo Springfield en 1968 cuando Richie Furay y Jim Messina decidieron abrirse camino con su propio proyecto. Formaron parte de la primera ola del género Country Rock de la costa oeste. Originalmente, el nuevo grupo se llamaba «Pogo», por el personaje de la tira cómica Pogo, pero fue cambiado cuando su creador, Walt Kelly, se opuso y amenazó con demandar. Oiremos Rocky Mountain Breakdown.

Seguidamente oiremos a los Travelin’ Texas con el tema homónimo.

Provenientes del hermoso estado montañoso de West Virginia, The Hillbilly Gypsies han estado haciendo e interpretando su propia marca de bluegrass de antaño y música original de montaña durante más de una década. Actúan al estilo antiguo, jugando con un único micrófono de cinta vintage. Este enfoque “Old Timey” agrega una auténtica atmósfera de fiesta de granero de alta energía a su espectáculo. Ver a toda la banda trabajar alrededor del micrófono es como hacer un viaje en el tiempo. ¡Te hará querer levantarte y bailar! Los gitanos de Hillbilly son más que una banda; ¡son una familia muy unida, conscientes de la tradición pero audaces exploradores de nuevos y auténticos estilos de música acústica y entretenimiento! Por ellos oiremos “Te conozco jinete”.

“Estoy corriendo, estoy corriendo tan rápido como puedo ir. Estoy corriendo, estoy corriendo de todas las cosas que sé. Tuve que dejarlo en algún lugar, así que lo dejé muy atrás. Tuve que alejarme de todos los problemas que pudiera encontrar. Corre al río. Corre al mar. Huye del mal que nos ha estado llamando a ti y a mí. Si seguimos rodando, justo fuera de la ciudad, llegaremos a la tierra prometida antes de que la derriben. Estoy corriendo, estoy corriendo como un tren de correo rápido. Estoy corriendo, estoy corriendo y no volveré otra vez. Nadie me dijo que estaría montando en la persiana. El ruido y el traqueteo parecen aliviar mi mente preocupada. Corre al río. Corre al mar. Huye del mal que nos ha estado llamando a ti y a mí. Si seguimos rodando justo fuera de la ciudad llegaremos a la tierra prometida antes de que la derriben”… nos dice Billy Strings en su tema “Corriendo”. Si Billy  Strings “es” o “no es” bluegrass depende de la interpretación de un purista. Pero para su creciente base de admiradores, es indudablemente un artista en vivo emocionante, que ofrece actuaciones frenéticas y contundentes que lo han convertido en el favorito de las multitudes de festivales.

Cerramos el presente episodio con Dean Dillon y su tema “Tengo que volver al trabajo”. Nos reencontramos en el próximo podcast.

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